Pillole d’Arte meno conosciuta

Nairy Baghramian nasce a Isfahan, in Iran, nel 1971. Nel 1984 si trasferisce a Berlino, dove attualmente vive e lavora, realizzando sculture e installazioni. “Forse sono stata attratta dal fatto che, essendo tridimensionali, mi consentono di girare loro intorno e di guardare le cose da una prospettiva sempre diversa, continuando a interrogarmi e a pormi delle domande, senza fossilizzarmi sulle mie opinioni”. Sulla sua formazione hanno avuto un grande impatto le performance teatrali e la danza, la scultura surrealista, il Post-minimalismo, l’arte povera e il cinema. Gli elementi costitutivi del suo lavoro sono rappresentati dall’interesse ad attraversare e ripensare il confine tra interno e esterno, ad analizzare il rapporto che lega l’oggetto estetico alla cornice che lo accoglie. Ogni opera si lega così al tempo, al luogo e al contesto socio-politico in cui è inserita. Le sue sculture sono realizzate in materiali diversi, fra cui marmo, acciaio, silicio, resina e cuoio, e indagano il rapporto delle forme tra loro; ognuna comporta infatti un’esperienza fisica, condizionata dallo spazio circostante. Nel realizzarle usa un vocabolario astratto che combina forme geometriche e organiche, materiali industriali e elementi morbidi, evidenziando il sottile legame che unisce le diverse attività umane. Inoltre, l’utilizzo di supporti sottili le permette di indagare la fragilità e l’instabilità della materia, stimolando le reazioni dei riguardanti di fronte a opere che sembrano sempre sul punto di cadere e infrangersi. Nel 2020 è stata protagonista di una grande mostra a Punta della Dogana. All’ultima Biennale di Venezia, dove era già stata invitata nel 2011, invece delle note biografiche ha scelto di presentarsi con “Nata felice”. È stato inoltre recentemente annunciato che le sarà attribuito il premio Nasher 2022. L’artista dice “fare arte è, di per sé, un atto politico e responsabile. Senza l’arte avremmo a che fare con una società impoverita”.

A cura di Federica Mingozzi

Alice Neel nasce a Marion Square, in Pennsylvania, nel 1900. Dopo la scuola dell’obbligo, la ora per tre anni per aiutare la famiglia e poi si iscrive alla Philadelphia school of design for women e si laurea nel 1925. Si trasferisce a New York nello stesso anno, insieme al marito Carlos Enriquez, pittore cubano, e nel 1926 dà alla luce una bambina che muore l’anno dopo; abbandonata dalla marito, che torna a Cuba, nel 1930, soffre di un crollo psicologico che la porta a tentare il suicidio. Dimessa dalla clinica, vive prima al Greenwich Village, poi, dal 1938, a Harlem con il nuovo compagno e infine nell’Upper West Side. Negli anni Cinquanta frequenta l’Abstract Artists Club, perfezionando il suo segno espressionistico. Il suo sguardo si dimostra straordinariamente sensibile nel ritrarre scene di perdita e sofferenza, ma anche di forza e resistenza, con evidente empatia e attenzione alla vulnerabilità dei soggetti “Per me le persone vengono per prime. Ho cercato di affermare la dignità e l’importanza eterna dell’essere umano”. Non a caso si definisce “collezionista di anime”. La nudità e la maternità sono tra i suoi soggetti preferiti. Attraverso le sue opere riesce a riscattare la miseria umana che la circonda, facendo emergere l’emotività dei soggetti che ritrae. Il suo tratto distintivo è la perspicacia psicologica che caratterizza i suoi dipinti, connotandoli di una sorta di grazia introspettiva, pur nella durezza e nella significatività del segno. “La Neel ha documentato in modo incisivo la straordinaria e pervicace diversità degli Stati Uniti. Come lei stessa ha detto, ha dipinto la vita stando dentro alle vite delle persone dipinte”. Nel 1974 si tiene la sua prima retrospettiva a New York, dove muore nel 1984.

A cura di Federica Mingozzi

Marcel Broodthaers nasce a Saint Gilles in Belgio nel 1924. Inizia la sua attività artistica come poeta e critico d’arte, ma, all’età di quarant’anni, decide di dedicarsi all’arte per attirare l’interesse del pubblico. A questo scopo compie un gesto esplicito: immerge nel gesso la sua raccolta di poesie Le Pense-Bête e definisce il risultato come opera scultorea; in seguito realizza un museo d’artista, personale e fittizio, che è opera d’arte e nel contempo riflessione sul sistema museale, quasi metamuseo, in cui amalgama Magritte e Duchamp e fa dell’esposizione si oggetti comuni un’opera d’arte. Alla base di questo progetto c’era una concezione critica nei confronti delle istituzioni museali, ritenute espressioni della cultura industriale e degli interessi di potere. Il Musée d’Art Moderne Departement des Aigles nasce nel 1968, diviso in dodici sezioni, ubicate in luoghi diversi, tra cui casa sua. Con il termine “sezione” si intende la possibilità di vedere dentro le cose attraverso un taglio, per metterne in luce la struttura interna. Le opere esposte sono talvolta accompagnate dall’avvertenza ‘Questa non è un’opera d’arte”. Di questo museo è artista, direttore, guardiano e unico visitatore. Nello stesso anno inizia a produrre gli “Industriale poems”, placche in plastica stampata con cui si prefigge di indagare gli effetti della pubblicità sulla comunicazione. Il ciclo ai compone di 36 motivi, declinati in versioni e variazioni diverse, con cui vengono create poesie visive con segnali, lettere, parole e immagini. “Il mio obiettivo è partire da una poesia letteraria per approdare a una poesia dell’oggetto”. Muore nel 1976 a Colonia

A cura di Federica Mingozzi

Edi Rama nasce nel 1964 a Tirana, in una famiglia di artisti: il padre era scultore, esponente del realismo socialista, mente il fratello della nonna era pittore. Dopo la laurea in arte figurativa, nel 1986 inizia lavorando come insegnante presso l’Accademia delle Arti di Tirana, anche se poi si reca a Parigi per una residenza internazionale e vi rimane in esilio per sfuggire e alla situazione del suo paese. Rientrato in Albania per ragioni personali, si dedica alla carriera politica, diventando Ministro della Cultura, Sindaco di Tirana e poi Primo Ministro d’Albania. Durante la sua attività dà vita a progetti di riqualificazione del tessuto urbano e degli spazi pubblici, animando con i colori la città. “L’arte è la politica dell’impossibile”. Si dedica da sempre sia alla scultura sia alla pittura; i suoi disegni, detti Doodles, cioè scarabocchi, sono astrazioni colorate, incarnazioni della mente presente a se stessa, a cui si dedica anche durante gli incontri ufficiali, quasi una sorta di scrittura automatica di matrice surrealista, che poi trasforma in sculture. Il medium prediletto sono i pennarelli colorati, che diventano lo strumento per una sorta di liberazione psicologica. Tiene la sua prima personale negli Stati Uniti nel 2016, invitato da Marian Goodman, e nello stesso anno espone in Italia nella Galleria Alfonso Artiaco di Napoli; l’anno dopo è invitato alla Biennale di Venezia. Edi Rama non smette mai di disegnare e plasmare i suoi Doodles, riuscendo a coltivare contemporaneamente le sue passioni. “L’arte ha una grande forza per farvaprire gli occhi su mondi diversi da quelli normalmente raccontati e governati dalla politica”

A cura di Federica Mingozzi

Georgia O’Keeffe nasce nel 1887 in una piccola città del Wisconsin. A 12 anni decide di diventare un’artista e inizia a frequentare la scuola d’arte, prima a Chicago, poi a New York, sotto la guida di William Merritt Chase; a 21 abbandona il progetto poiché non riesce a entrare in sintonia con la tradizione realista dei suoi insegnanti, ma un corso estivo in Virginia le restituisce la tenacia artistica, grazie agli insegnamenti di arte giapponese di Arthur Wesley Dow e allo studio delle teorie sull’astrattismo di Kandinsky. All’inizio degli anni Dieci espone a New York, nella galleria del fotografo Alfred Stieglitz, insieme a Picasso e Braque. La stessa galleria, centro dell’Avanguardia modernista americana, ospita la sua prima personale nel 1917; dal 1918, trasferitasi a New York, convive con Stieglitz, che dallo stesso anno realizza una serie di fotografie dell’artista. “Gli uomini mi descrivono come la migliore pittrice donna ma io penso di essere tra i migliori pittori in assoluto”. Tra il 1919 e il ’34, durante le estati e gli autunni trascorsi sul Lago George, realizza circa 200 dipinti: fiori, foglie e architetture di gusto straordinariamente moderno, semplificandone le forme al punto da dare vita a un nuovo linguaggio artistico che va sotto il nome di Modernismo. Dal 1929 inizia a visitare il New Mexico e si innamora del patetico paesaggio desertico con le sue montagne aspre e taglienti; dal 1940 vi si trasferisce e proprio questo paesaggio diventa il suo nuovo idolo pittorico: lo dipinge in ogni sfumatura, combattendo le condizioni climatiche avverse e accampandosi sotto le stelle pur di coglierlo nella sua significatività. Dal 1972 perde la vista, ma continua a disegnare fino ai primi anni ’80. Muore nel 1986 a Santa Fe. “Ho delle cose nella mia testa che non sono come quelle che qualcuno mi ha insegnato… Forme e idee così vicino a me… Così naturali per il mio modo di essere e di pensare anche se altri non hanno pensato di dipingerle”.

A cura di Federica Mingozzi

Vanna Nicolotti nasce a Novara nel 1929. Dopo il Liceo artistico, frequenta l’Accademia di Brera, dove ha come maestri Achille Funi e Mauro Reggiani. Milano diventa lo sfondo della sua vita e di tutta la sua carriera. Diplomatasi nel 1957, prosegue gli studi nell’ambito grafico e nel 1959 è tra i fondatori di D’ARS, la prima rivista di arte contemporanea italiana, diretta da Pierre Restany a partire del 1984, che ha avuto il merito di accompagnare l’evolversi dell’arte italiana in anni cruciali. Il suo esordio è costituito da due pannelli polimaterici per la Biblioteca Musicale del Conservatorio “G. Verdi”; collabora, inoltre, all’allestimento del vicino Museo Storico. La sua prima personale è a Milano nel 1963; in seguito inizia la sua ricerca tridimensionale nell’ambito della nuova realtà spaziale di Lucio Fontana, che fa della tela una sorta di essere autosufficiente. Dalla lezione spazialista e dalla cancellazione di ogni messaggio superfluo nascono le sue creazioni, i cui esiti sono riscontrabili nelle opere esposte a Londra nel ’64 e poi in Italia. Fenditure precise, tagli raffinati che acquistano spessore diverso ad ogni sguardo, trasformandosi continuamente grazie all’osservatore. L’artista va così oltre lo spazialismo propriamente inteso, entrando nel Rigorismo di Bonalumi, Castellani e Simeti, oltre che di Fontana. In seguito realizza le cosiddette Strutture variate, rilievi di tela intagliata e dipinta ottenuti sovrapponendo più strati su fondo metallico. Dal 1976 fa parte del Movimento Arte Genetica fondato a a Lecce da Francesco Saverio Dodaro e dal 1979 introduce nei suoi dipinti la parola, trasformando la tela in una pagina percorsa da caratteri in rilievo. L’inesausta ricerca che la caratterizza la porta ad ampliare poi il suo linguaggio usando i numeri. Nelle sue opere è evidente la sua raffinata sensibilità unita a un’idea di forma elegantemente modellata. Muore a Milano nel 2020, lavorando fino all’ultimo giorno.

A cura di Federica Mingozzi

Leonor Fini nasce a Buenos Aires nel 1907; il padre Erminio è argentino e la madre, Malvina, italiana. Dopo la separazione Malvina rientra in Italia e va a vivere a Trieste; il padre tenta di rapirla più volte e la madre la traveste spesso da maschio. Il travestimento diventerà uno dei suoi tratti distintivi: “Mascherarsi è lo strumento per avere la sensazione di cambiare dimensione, specie e spazio”. La permanenza a Trieste, città cosmopolita e attiva, dà a Leonor la possibilità di frequentare un ambiente di grande cultura e di conoscere Joyce, Svevo, Saba, Leo Castelli e Gillo Dorfles tra gli altri. Suo compagno prediletto un gatto bianco, che sarebbe poi divenuto il protagonista di molte sue opere. Inizia a dipingere giovanissima (il primo concorso lo vince a quattro anni) e a diciassette anni incomincia a viaggiare in Europa, studiando a Milano con Achille Funi. Negli anni Trenta si trasferisce a Parigi e incontra i surrealisti, grazie alla stilista Elsa Schiapparelli, iniziando a sperimentarne le tecniche, soprattutto l’automatismo. Nel 1936 espone a Londra e a New York con i surrealisti e due anni dopo tiene la sua prima personale sempre a New York; l’introduzione al catalogo è firmata da De Chirico. Nel 1938 per la Schiapparelli disegna la boccetta di profumo “Shocking” a forma di busto di donna ispirata a Mae West. La sua pittura è figurativa nel significante e astratta nel significato: la figura è sempre presente, ma riesce a elaborare la sua personale semantica pittorica che traspone sulla tela il suo io, prendendo forme diverse. Durante il secondo conflitto mondiale si sposta a Montecarlo e si dedica alla ritrattistica, mentre dal 1945 al 1969 crea costumi per il teatro, l’opera, il balletto e il cinema. Muore a Parigi nel 1996. “Tutta la mia pittura è un incantesimo in un’autobiografia di affermazione che esprime l’aspetto pulsante dell’essere; la vera questione è trasporre sulla tela il senso del gioco”.

A cura di Federica Mingozzi

Vivian Maier nasce a New York nel 1926. Vissuta tra New York e Chicago, lavora per più di quarant’anni come tata e si dedica alla fotografia documentaria nel tempo libero. La sua attività abbraccia il periodo compreso tra i primi anni Cinquanta e gli anni Settanta e racconta la vita di New York e di Chicago attraverso fotografie a volte ruvide e spiazzanti, ma sempre evocative. Lo sfondo è costituito dalle strade dei quartieri che conosceva bene e questo le dà la possibilità di cristallizzare affettuosamente frammenti di vita. Quasi sconosciuta fino al 2016, quando le sue fotografie vennero scoperte in una serie di scatoloni in un garage del Bronx, oggi è considerata una maestra indiscussa della fotografia; il suo lavoro è caratterizzato da alta qualità e il intensa carica emotiva. Le sue immagini, infatti, hanno lo scopo di creare storie intimistiche e verosimili, se pur inserite in una spiazzante dimensione onirica grazie a riflessi, sovrapposizioni e trasparenze che le consentono di dare vita a un linguaggio personale e incisivo. I suoi soggetti preferiti sono gli esseri umani, soprattutto bambini, anche se si dedica con frequenza agli autoritratti, fotografandosi su superfici riflettenti come le vetrine. Quando ritrae i poveri, si tiene sempre a una certa distanza, mentre quando ritrae le classi sociali più elevate introduce spesso elementi di disturbo, quasi a manifestare il dissidio tra la sua reale condizione e quella da lei desiderata. Dagli anni Sessanta si dedica anche a filmare luoghi e eventi, realizzando piccoli documentari di quotidianità, mentre, alla fine dei Settanta, inizia ad usare la Leica per fotografare a colori, creando immagini dagli interessanti contrasti cromatici. Muore a Chicago nel 2009, ospite in una casa di cura.
“Ho fotografato i momenti della vostra eternità, perché non andassero perduti”.

A cura di Federica Mingozzi

Benedetta Cappa nasce a Roma nel 1897 da una famiglia piemontese. Allieva di Giacomo Balla, sperimenta diverse forme d’arte, tra cui anche la letteratura. Nel corso della sua vita pubblica infatti tre romanzo. Nel 1918, a una mostra, conosce Filippo Tommaso Marinetti, fondatore del Futurismo, e lo sposa nel 1923. Di lei Marinetti dice: “Ammiro il genio di Benedetta, mia uguale non discepola”; a lui Beny, come viene chiamata, dona un disegno paroliberista dal titolo Psicologia di un uomo, in cui chiarisce il suo pensiero in merito alla misoginia del movimento e lo firma “Benedetta fra le donne, parolibera futurista”. Nel 1929 firma, con Balla, Depero, Marinetti e altri, il Manifesto dell’Aeropittura. Dopo una prima fase in cui è evidente il legame con il maestro Balla, infatti, il suo linguaggio si evolve e diventa autonomo; la fonte principale di ispirazione sono proprio i viaggi in aereo, da cui trae spunto per la sua creatività, distinguendosi per i suoi paesaggi lirici e trasfigurati. Lavora inoltre anche come scenografa. Partecipa a cinque edizioni della Biennale di Venezia e a tre della Quadriennale di Roma e nel 1930 è la prima donna ad avere un’opera nel catalogo della Biennale. Dopo la morte del marito, nel 1944, dedica le sue forze a valorizzare il Futurismo, riunendo opere e manoscritti e promuovendo mostre, tra cui quella di Parigi del 1951. Muore a Venezia, dopo una lunga malattia, nel 1977.

A cura di Federica Mingozzi

Piero Guccione nasce a Scicli nel 1935. Studia a Catania e all’Accademia di Roma, dopo essersi trasferito nel 1954. Tra il 1958 e il 1969 partecipa alle missioni paletnologiche nel Sahara libico con l’equipe dell’archeologo Fabrizio Moro, alla ricerca di pitture rupestri. A seguito di questa esperienza organizza, nel 1961, una mostra a New York, preceduta dalla sua prima personale a Roma. Dal 1962 al 1964 fa parte del gruppo “Il pro e il contro” insieme ad artisti e critici, finendo per rappresentare un punto di riferimento per la pittura realista. Nel 1971 a Ferrara organizza la sua prima antologica, seguita da un altro evento di vasta portata a Conegliano 18 anni dopo. Nel 1981 è tra i fondatori del Gruppo di Scicli, insieme alla moglie Sonia Alvarez, scegliendo di allontanarsi dai grandi centri per scegliere luoghi appartati di creazione. Nelle sue opere ci si perde nell’infinito del suo mare, scrutando immense distese segnate da linee geometriche, che rendono percepibile il rumore della risacca. Muore a Quartarella nel 2018.

A cura di Federica Mingozzi

Mario Chiattone nasce a Bergamo nel 1891. A Brera studia architettura e frequenta l’ambiente vivace del tempo, conoscendo Carrà, Boccioni, Dudreville, Sant’Elia e altri. Nel 1912 partecipa alla Mostra della pittura e della scultura rifiutata, disegnando la copertina del catalogo. Tra il 1913 e il 1914 a Milano nasce il gruppo Nuove tendenze, movimento considerato precursore del futurismo architettonico. Insieme a Sant’Elia ne firma il documento programmatico. Dopo una collettiva presso la Famiglia Artistica di Milano, il gruppo si scioglie a causa di contrasti interni. Chiattone si ispira a Sant’Elia, autore del Manifesto dell’architettura futurista, rifiutando però di aderire esplicitamente al Futurismo. Nel 1919 si trasferisce a Lugano e si fa conoscere come architetto, lavorando a progetti tesi a conciliare il linguaggio classico con l’architettura regionale storica ticinese. Le sue città sono rappresentate attraverso spazi, elementi e parti della metropoli nella loro tridimensionalità. Nel 1928 accetta di esporre le sue opere alla Prima Mostra di Architettura Futurista a Torino. In seguito, ripudia questo momento. Il lavoro nel Canton Ticino è testimoniato da opere concrete, mentre ciò che rimane della produzione grafica giovanile è presso il Gabinetto Disegni e stampe dell’Università di Pisa. Gran parte di tale produzione è andata dispersa a causa del bombardamento del suo studio milanese nel 1943. Muore a Lugano nel 1957.

A cura di Federica Mingozzi

Enrico Accattino nasce a Genova nel 1920. La famiglia è originaria di San Salvatore Monferrato e proprio al Monferrato l’artista legherà la sua memoria e la sua identità. Inizia da autodidatta proprio nelle campagne monferrine, dove trascorre molto mesi a casa dei nonni. Le scene di vita quotidiana, collegate al lavoro nei campi e poi a quello del mare, saranno le tematiche portanti della sia produzione figurativa. La sua formazione è influenzata dall’incontro con Felice Casorati, che lo ospita nel suo studio e gli insegna il gusto per la visione. Dopo aver partecipato alla guerra come fante del 52^ battaglione in Puglia, torna a Roma dove lavora a grandi cicli pittorici e contemporaneamente frequenta l’Accademia; nel 1947 va a Parigi, dove entra in contatto con un mondo in fermento. Trasferitosi poi definitamente a Roma nel 1951, inizia a esplorare con i suoi dipinti il dolore e la miseria del genere umano, “una pittura secca, essenziale, senza compiacimenti”, come scrive Pasolini. Anche Guttuso apprezza le sue opere, riconoscendovi l’onestà intellettuale e la forza di un’arte senza compromessi. Nella seconda metà degli anni Cinquanta si avvicina all’astrazione, con figure che diventano segni di tale potenza cromatica da narrare senza dover mostrare. Il cerchio diventerà da questo momento la sua forma essenziale, declinata in plurime interconnessioni. A lui si deve anche la nascita dell’Educazione all’immagine come disciplina. Muore a Roma nel 2007, dopo aver trascorso gli ultimi anni della sua vita, segnati dalla malattia, a dipingere e produrre.

A cura di Federica Mingozzi

Belkis Ayón nasce nel 1967 a L’Avana. Con le sue opere dà vita a una nuova mitologia, capace di unire Africa, America e Caraibi in una nuova realtà. Specializzata nella tecnica della collografia, che unisce materiali differenti incollati insieme per ottenere una matrice da inchiostrare e stampare, riscrive tradizioni e credenze di antiche società maschili, tra cui l’Abakuá. I suoi lavori, spesso in bianco e nero, presentano figure con teste oblunghe, occhi a mandorla vuoti e senza bocca, su sfondo scuro. Sono figure arcaiche che danno vita a scene permeate di religiosità antica, sacerdoti e sacerdotesse di rituali antichi e cerimonie reinventate in tradizioni immaginarie. Muore suicida nel 1999, senza lasciare spiegazioni; le sue figure però continuano a guardarci, interrogandoci sul senso del vivere e toccandoci nel profondo.

A cura di Federica Mingozzi

Anita Berber, nata nel 1899 a Lipsia, è stata una ballerina e un’attrice, sia teatrale che cinematografica. Notata nel 1915, entrò a fare parte della compagnia di Rita Sacchetto, che si esibiva in coreografie basate su movimenti plastici, trasgressivi e provocatori. In seguito, iniziò esibirsi in coreografie da solista, ballando molto spesso nuda, e poi a recitare, divenendo molto nota tra i suoi contemporanei anche per gli eccessi che segnarono la sua vita. Morì a Berlino, nel 1928. Nel 1925, Otto Dix, pittore tedesco esponente della corrente definita “Nuova oggettività”, la ritrasse nel dipinto “La ballerina Anita Berber”. Nell’opera, Anita è raffigurata fasciata da un abito rosso, con una mano appoggiata sul fianco. La posa è vampiresca e il suo viso é ricoperto da uno strato spesso di trucco, come se stesse indossando una maschera. In questo modo il pittore sottolinea che in lei tutto, anche l’atteggiamento e la sensualità esagerati, sono, in fondo, una performance.

A cura di Federica Mingozzi